Ce livre retrace les grandes lignes de l'aventure du « septième art » évoquant la création des studios de production et les grands réalisateurs, de Méliès à Pialat ou Garrel, de l'Herbier à Bresson ou Godard en passant par Vigo, Clair ou Renoir. C'est dans ce foisonnement des oeuvres que s'écrit une histoire possible du cinéma français. Faisant autorité, mais mon mis à jour depuis sa parution en 1995, cette seconde édition permet de présenter l'histoire du cinéma français de 1895 à 2005.

Les progrès des sciences du cerveau ouvrent de nouvelles perspectives pour déchiffrer ce qui fait le cœur même de notre humanité : la conscience, la pensée. Gerald M. Edelman présente ici, en termes simples, les clés de sa théorie de la connaissance. Il montre en particulier ce qu'elle va apporter à la compréhension de processus aussi complexes que la créativité, l'imagination, l'invention. Si l'étude expérimentale du cerveau nous permet de comprendre vraiment ce qu'est la pensée, alors, bientôt, nous pourrons concevoir des dispositifs artificiels dotés de conscience, indique-t-il. Quelles en seront les conséquences ? Toutes nos idées classiques et tout le champ de la « culture » s'en trouveront bouleversés. Un chercheur majeur médite sur l'apport global de ses travaux et la manière dont sa discipline va révolutionner notre vision du monde.


Auteur de Biologie de la conscience et de Comment la matière devient conscience, prix Nobel de physiologie et de médecine, Gerald M. Edelman est directeur du Neurosciences Institute, à La Jolla, en Californie, président de la Neurosciences Research Foundation et chef du département de neurobiologie du Scripps Research Institute.

Michel-Ange ( Michelangelo Buonarroti ) (C aprese, 1475 - Rome, 1564 ) Michel-Ange, comme Léonard de Vinci, avait plusieurs cordes à son arc et était à la fois sculpteur, architecte, peintre et poète. Il porta à leur apothéose le mouvement musculaire et l'effort, équivalents plastiques de la passion, à ses yeux. Il façonna son dessin, le poussant jusqu'aux limites extrêmes des possibilités de son âme tourmentée.
Il n'y a aucun paysage dans la peinture de Michel-Ange. Toutes les émotions, toutes les passions, toutes les pensées de l'humanité furent personnifiées dans les corps nus des hommes et des femmes. Il ne les conçut presque jamais dans l'immobilité ou le repos. Michel-Ange devint peintre pour exprimer à travers un matériau plus malléable ce qui animait sa nature titanesque, ce que son imagination de sculpteur voyait, mais que la sculpture lui refusait.
Ainsi cet admirable sculpteur devint le réateur des décorations les plus lyriques et les plus épiques jamais vues dans l'histoire de la peinture : les fresques de la chapelle Sixtine au Vatican. La profusion des inventions disséminées sur cette vaste surface est merveilleuse. Ce sont en tout 343 personnages principaux qui sont représentés avec une variété d'expressions prodigieuse, plusieurs de taille colossale, à côté de figures plus secondaires introduites pour leur effet décoratif.
Le créateur de ce vaste plan n'avait que trente-quatre ans lorsqu'il s'attela au projet. Michel-Ange nous oblige à élargir notre conception du beau. Pour les Grecs, le critère était la beauté physique, mais Michel-Ange, sauf dans quelques exceptions, comme sa peinture d'Adam sur le plafond de la chapelle Sixtine, et ses sculptures de la Pietà, ne prêtait que peu d'attention à la beauté. Bien que maîtrisant parfaitement l'anatomie et les lois de la composition, il osait les ignorer toutes deux, si nécessaire, afin de suivre son idée : exagérer les muscles de ses personnages, et même les placer dans des positions inappropriées au corps humain.
Dans son ultime fresque, celle du Jugement dernier sur le mur de l'autel de la chapelle, il laissa se déverser le torrent de son âme. Qu'étaient les règles en comparaison d'une souffrance intérieure qui devait s'épancher ? C'est à juste titre que les Italiens de son temps parlaient de la terribilità de son style. Michel-Ange fut le premier à donner à la forme humaine la possibilité d'exprimer toute une variété d'émotions psychiques.
Dans ses mains, elle devint un instrument duquel il jouait, comme un musicien sur son orgue, en tirant des thèmes et des harmonies d'une diversité infinie. Ses personnages transportent notre imagination bien au-delà de la signification personnelle des noms qui leur sont attachés.

Tourner un film, le mettre en scène, le sonoriser et le monter, c'est toujours faire apparaître, découper, organiser, modeler un espace : dans le cadre, le paysage, le décor, la profondeur, le jeu des acteurs... Comment l'espace intervient-il précisément dans la dynamique d'un film, dans l'élaboration de son discours, dans la production de ses émotions ? Quels rôles peut jouer l'espace dans la narration ? Quels types d'espaces sont filmés, par qui et à quelle période ? Comment les représentations cinématographiques de l'espace dialoguent-elles avec celles d'autres productions artistiques ? Cet ouvrage, unique à ce jour, propose un panorama des principes techniques et esthétiques de l'espace cinématographique.
Il fournit des outils analytiques permettant de définir un espace spécifique au cinéma (le décor architectural, le paysage pictural, la scénographie théâtrale...) construit par le mouvement des images, le montage et le rapport image-son. De nombreux exemples et photos de films illustrent le propos de l'auteur.proche privilégiée ici est historique, le cinéma italien, aussi léger, comique ou mélodramatique soit-il, étant toujours resté étroitement lié aux conditions socio-historiques, aux contextes violents et instables, aux crises qui n'ont cessé de le déterminer et de l'inspirer.

Comédies à l'italienne, péplums, westerns spaghetti, giallo, horror, les films transalpins ont souvent été dénigrés avant de susciter la reconnaissance de la critique et de faire naître de véritables cultes. Seul cinéma d'Europe à avoir pu rivaliser des années durant avec Hollywood, il n'en reste pas moins peu ou mal connu. Cet ouvrage a pour visée de fournir quelques repères essentiels à la compréhension d'une cinématographie ancrée dans des langues, dans des sources populaires et dans des traditions artistiques spécifiques.
L'approche privilégiée ici est historique, le cinéma italien, aussi léger, comique ou mélodramatique soit-il, étant toujours resté étroitement lié aux conditions socio-historiques, aux contextes violents et instables, aux crises qui n'ont cessé de le déterminer et de l'inspirer. Laurence Schifano, spécialiste du cinéma italien moderne, est professeur d'Études cinématographiques à l'Université Paris Ouest- Nanterre La Défense.